„Wenn man sich die allerschlimmsten Träume erzählen könnte… Dann würden die Monster vielleicht verschwinden.“
Clown

„Riechen ist besser als gucken, vor allem im Dunkeln“, sagt der 10-jährige Junge, der sich selbst den Namen Nase gegeben hat. Er lebt in einem ausgedienten Bus auf einem Autofriedhof. Warum? Darüber spricht er nicht gern. Wenn er sich allein fühlt, redet er mit dem Fuchs, der schon lange sein Freund ist, auch als er noch Zuhause gewohnt hat. Doch dann war Onkel Sven bei ihnen eingezogen. Eines Nachts war er in Nases Bett gekommen, und dann immer wieder. Da war Nase abgehauen. Auf dem Friedhof fühlt er sich sicher. Doch eines Abends schleicht ein Mensch zwischen den alten Bussen umher, der Clown. Auch er ist auf der Suche nach einem neuen Zuhause.

Das Stück soll Kinder in der Wahrnehmung ihrer Bedürfnisse und Grenzen stärken. Es macht Grenzübertretungen auf spielerische Weise erlebbar, aber auch die Erfahrung von Vertrauen. Sexueller Missbrauch wird dabei nicht vordergründig als eine Art „Fallstudie“ gezeigt, sondern bildet den Hintergrund für die Entscheidung des Jungen, von seiner Familie wegzugehen. In der  ungewöhnlichen Begegnung mit dem Clown lernt der Junge, wie hilfreich und heilend menschliche
Gemeinschaft sein kann, wie Vertrauen wieder möglich wird.

Der mit dem Fuchs spricht tourte als Stück für zwei Schauspieler mehrere Jahre durch Deutschland und wurde im Dezember 2015 auch als Gastspiel in Gera gezeigt. Nun hat Caren Pfeil das Manuskript für einen Puppenspieler adaptiert, sodass das Stück nicht nur regelmäßig im Spielplan gezeigt werden kann, sondern durch eine Neuinszenierung und den Wechsel des Genres auch eine neue künstlerische und erzählerische Qualität gewinnt.

„Hereinspaziert. Hier ist Platz. Hier ist sonst nur noch eine Leiche.“
Ralf

Ralf und seine Lebensgefährtin Sarah haben deren Arbeitskollegin Edith und ihren Ehemann Sebastian zum Essen eingeladen – obwohl Sarah Kochen hasst. Doch: Wozu gibt es schließlich Lieferdienste? Statt eines schönen Dinners tischen die Gastgeber lieber jede Menge Lügen und böse Witze auf, die Edith und Sebastian zunehmend verunsichern. Liegt wirklich ein Mann namens Herr Kolpert ermordet in der Truhe im Wohnzimmer? Sollten die Gastgeber tatsächlich – nur aus Langeweile – einen Mord begangen haben und diesen nun frank und frei ihren Gästen gestehen? Oder ist das alles nur ein perfider Scherz? Tapfer bestreiten Edith und Sebastian den Abend vorerst mit Gesellschaftsspielen und schleppenden Konversationen, die jedoch immer wieder von Sebastians eruptiven Ausrastern unterbrochen werden. Der eigensinnige Humor der Gastgeber geht schließlich zumeist auf Kosten der Gäste. Die angespannte Situation spitzt sich den Abend über ebenso zu wie die Zweifel an Ralfs und Sarahs Glaubwürdigkeit. Als schließlich ein merkwürdiges Klopfen aus der Truhe kommt, gerät der Abend völlig außer Kontrolle. Und zu allem Überfluss bringt der Pizzabote auch noch die falsche Bestellung!

Inspiriert von Alfred Hitchcocks Klassiker Cocktail für eine Leiche hat David Gieselmann (*1972) mit Herr Kolpert eine schwarze Komödie geschaffen, die sich an irrem Dialogwitz voll Freud’scher Versprecher und absurden Wiederholungen ergötzt. Im Mai 2000 wurde Herr Kolpert in englischer Übersetzung am Londoner Royal Court Theatre uraufgeführt und im selben Jahr auch an der Berliner Schaubühne gezeigt. Gieselmanns bekanntestes Werk wurde, neben zahlreichen Inszenierungen in Deutschland, u. a. auch in der Türkei, Israel, Italien, Griechenland, Frankreich, Polen, Australien und den USA gespielt.

FREIBIER WIRD TEURER heißt die Katastrophenmeldung, in der Birgit Schaller, Hannes Sell und Jürgen Stegmann sich in in einem irrwitzigen Spektakel in die Diskussionen um Gentertoiletten und Kriegsgefahr einmischen und versuchen, Sinn und Unsinn dieser aus den Fugen geratenen Welt zusammenzufügen. Sind die da oben irre und wir blind? Oder sind wir blind und die irre? Oder sind wir alle irre, weil wir blind sind? Das Markenzeichen Herkuleskeule bürgt für „intelligent geblödelten Scharfsinn“.

Regie: Matthias Nagatis und Wolfgang Schaller
Musik: Jens Wagner und Volker Fiebig
Textmitarbeit: Dietmar Jacobs, H. G. Pölitz, Till Reiners

„Die beste und sicherste Tarnung ist immer noch die blanke und nackte Wahrheit. Komischerweise. Die glaubt niemand.“
Eisenring

Der Haarölfabrikant Gottlieb Biedermann führt sein Unternehmen mit kapitalistischer Strenge. Als er eines Abends unerwarteten Besuch des obdachlosen Schmitz bekommt, meint er seine Menschlichkeit unter Beweis stellen zu müssen. Nicht zuletzt unter dem Druck der beeindruckenden Statur des ehemaligen Ringers beschließt Biedermann, ihm auf seinem Dachboden eine Bleibe für die Nacht zu geben. Als am nächsten Tag eine weitere Gestalt bei ihm zu Hause auftaucht – diesmal Eisenring, der sich als obdachloser Kellner vorstellt –, zeigt sich Biedermann zwar zuerst irritiert, dann aber umso gastfreundlicher. Das missfällt Biedermanns Frau Babette, die bei dem Lärm, den die Herren auf dem Dachboden anrichten, kaum schlafen kann. Außerdem steht doch überall in den Zeitungen, dass gefährliche Brandstifter ihr Unwesen in der Stadt treiben. Obgleich die beiden Gäste keinen Hehl daraus machen, dass sie Brandstifter sind und ein Benzinfass nach dem anderen auf den Dachboden schleppen, hält Biedermann an seinem Glauben fest, dass alles nur ein Scherz sei. Auch dem stets warnenden Feuerwehrchor will Biedermann nicht zuhören.

Max Frisch (1911-1991) formulierte mit seiner Tragikomödie eine Parabel, die Ansatzpunkte für viele Interpretationsmöglichkeiten bietet. Als politisch wache Regisseurin inszeniert Angelika Zacek das Stück in einem alles andere als bieder anmutenden Bühnenbild: Das Ehepaar haust in einer Ansammlung aus Kohlesäcken, die nicht nur ausreichend Brennstoff bieten, sondern auch stellvertretend für eine kapitalistische Gesellschaft stehen, in der Lobbyisten versteckt Geschäfte tätigen, von denen der Kleinbürger lieber nicht allzuviel wissen möchte. Schließlich ist ein einfaches Feindbild viel leichter anzunehmen als zu versuchen, die Komplexität der Welt zu durchschauen.

„Ach, es ist schade, dass es so hässlich ist; es ist so freundlich!“
Die Schöne

In Frankreich gab es einst einen Prinzen, der von einer Fee in ein schreckliches Biest verwandelt wurde. Erlösung kann er nur durch die Liebe einer Frau finden. Jahrelang lebt das Biest einsam und zurückgezogen in seinem verwunschenen Schloss, bis es eines Tages einen alten Mann in seinem Garten beim Stehlen einer Rose ertappt. Das Biest überwältigt den Dieb und droht ihn umzubringen, wenn er nicht seine Tochter Belle auf sein Schloss kommen lässt. Belle war es auch, die sich von ihrem Vater die Rose als Geschenk gewünscht hat. Fortan lebt Belle gemeinsam mit dem Biest. Doch welch wundersame Räume und schöne Gärten entdeckt sie auf dem Anwesen! Jeder Wunsch wird ihr erfüllt und wie sich herausstellt, ist auch das Biest ein angenehmer Gesprächspartner. Die Schöne würde hier eine unbeschwerte Zeit verbringen, wenn das Biest sie nicht jeden Abend aufs Neue fragen würde, ob sie es liebe …

Lucy Kirkwoods und Katie Mitchells spielfreudige Fassung erzählt nicht nur die Geschichte der schönen Tochter und des rauen Biests, sondern lässt darüber hinaus die Erzählerfiguren Cécile und Mister Pink ihre ganz eigene, humorvoll-charmante Liebesgeschichte erfahren. Stefan Wey, der u. a. bereits Die große Reise und Verbrechen am Puppentheater inszenierte, schöpft in dieser Inszenierung die Möglichkeiten des Schattentheaters aus: Mit zweidimensionalen Schablonen lässt er tiefschichtige Welten entstehen, durch welche die Taschenlampe gleich einer Kamera fährt und unerwartete Perspektiven schafft. So wird das Schloss erkundet, es erblühen dichte Rosengärten und letztlich auch die Liebe zwischen Belle und dem Biest.

„Ach, es ist schade, dass es so hässlich ist; es ist so freundlich!“
Die Schöne

In Frankreich gab es einst einen Prinzen, der von einer Fee in ein schreckliches Biest verwandelt wurde. Erlösung kann er nur durch die Liebe einer Frau finden. Jahrelang lebt das Biest einsam und zurückgezogen in seinem verwunschenen Schloss, bis es eines Tages einen alten Mann in seinem Garten beim Stehlen einer Rose ertappt. Das Biest überwältigt den Dieb und droht ihn umzubringen, wenn er nicht seine Tochter Belle auf sein Schloss kommen lässt. Belle war es auch, die sich von ihrem Vater die Rose als Geschenk gewünscht hat. Fortan lebt Belle gemeinsam mit dem Biest. Doch welch wundersame Räume und schöne Gärten entdeckt sie auf dem Anwesen! Jeder Wunsch wird ihr erfüllt und wie sich herausstellt, ist auch das Biest ein angenehmer Gesprächspartner. Die Schöne würde hier eine unbeschwerte Zeit verbringen, wenn das Biest sie nicht jeden Abend aufs Neue fragen würde, ob sie es liebe …

Lucy Kirkwoods und Katie Mitchells spielfreudige Fassung erzählt nicht nur die Geschichte der schönen Tochter und des rauen Biests, sondern lässt darüber hinaus die Erzählerfiguren Cécile und Mister Pink ihre ganz eigene, humorvoll-charmante Liebesgeschichte erfahren. Stefan Wey, der u. a. bereits Die große Reise und Verbrechen am Puppentheater inszenierte, schöpft in dieser Inszenierung die Möglichkeiten des Schattentheaters aus: Mit zweidimensionalen Schablonen lässt er tiefschichtige Welten entstehen, durch welche die Taschenlampe gleich einer Kamera fährt und unerwartete Perspektiven schafft. So wird das Schloss erkundet, es erblühen dichte Rosengärten und letztlich auch die Liebe zwischen Belle und dem Biest.

„Ach, es ist schade, dass es so hässlich ist; es ist so freundlich!“
Die Schöne

In Frankreich gab es einst einen Prinzen, der von einer Fee in ein schreckliches Biest verwandelt wurde. Erlösung kann er nur durch die Liebe einer Frau finden. Jahrelang lebt das Biest einsam und zurückgezogen in seinem verwunschenen Schloss, bis es eines Tages einen alten Mann in seinem Garten beim Stehlen einer Rose ertappt. Das Biest überwältigt den Dieb und droht ihn umzubringen, wenn er nicht seine Tochter Belle auf sein Schloss kommen lässt. Belle war es auch, die sich von ihrem Vater die Rose als Geschenk gewünscht hat. Fortan lebt Belle gemeinsam mit dem Biest. Doch welch wundersame Räume und schöne Gärten entdeckt sie auf dem Anwesen! Jeder Wunsch wird ihr erfüllt und wie sich herausstellt, ist auch das Biest ein angenehmer Gesprächspartner. Die Schöne würde hier eine unbeschwerte Zeit verbringen, wenn das Biest sie nicht jeden Abend aufs Neue fragen würde, ob sie es liebe …

Lucy Kirkwoods und Katie Mitchells spielfreudige Fassung erzählt nicht nur die Geschichte der schönen Tochter und des rauen Biests, sondern lässt darüber hinaus die Erzählerfiguren Cécile und Mister Pink ihre ganz eigene, humorvoll-charmante Liebesgeschichte erfahren. Stefan Wey, der u. a. bereits Die große Reise und Verbrechen am Puppentheater inszenierte, schöpft in dieser Inszenierung die Möglichkeiten des Schattentheaters aus: Mit zweidimensionalen Schablonen lässt er tiefschichtige Welten entstehen, durch welche die Taschenlampe gleich einer Kamera fährt und unerwartete Perspektiven schafft. So wird das Schloss erkundet, es erblühen dichte Rosengärten und letztlich auch die Liebe zwischen Belle und dem Biest.

„Drei Frauen sind‘s von Reiz und Anmut,
Die mich mit Liebeslust erfüllten!
Soll ich euch diese tollen Geschichten erzählen?“
Hoffmann

Dem Dichter Hoffmann ist die ihn umgebende alltägliche Realität aus Schmutz, Armut und Hass unerträglich. Er flieht in die Kunstwelt des Theaters. Dort läuft Mozarts Don Giovanni mit der von ihm begehrten Sängerin Stella als Donna Anna. In der Vorstellungspause wird der unglückliche Dichter in einem Weinkeller zum Erzählen gedrängt. Und während nun nebenan Don Giovanni läuft, erzählt Hoffmann Geschichten seines von Sehnsucht und Scheitern geprägten Verhältnisses zu Frauen: Da ist zunächst die scheinbar perfekte, zum Leben erweckte Puppe Olympia, dann die kranke, vom Singen besessene Künstlerin Antonia, schließlich die unwiderstehliche venezianische Kurtisane Giulietta. Alle Geschichten enden tragisch, ja sogar tödlich. Während Hoffmann sich immer mehr im Rausch aus Alkohol und Fantasie verliert, geht die Vorstellung zu Ende und die angehimmelte mozartsche Kunstfigur rückverwandelt sich in die „reale Person“, die Sängerin Stella, die der nun völlig betrunkene Hoffmann beleidigt und düpiert. Die Muse, ständiger Begleiter Hoffmanns durch seine fantastischen Welten, hat den Dichter nun für sich allein.

Die posthume Uraufführung von Hoffmanns Erzählungen am 10. Februar 1881 in der Pariser Opera-Comique war ein kapitaler Erfolg. Bis heute erfreut sich Jacques Offenbachs (1819-1880) Meisterwerk anhaltender Beliebtheit. Duncan Hayler, bekannt für seine fantastisch opulenten Ausstattungen, schafft auch diesmal wirkungsvolle Spielräume für den Regisseur Kay Kuntze.